Vi kan ikke snakke om amerikansk mote uten å snakke om indianers designere

---

---

'Vårt folk er de første amerikanske designerne,' sa designeren Bethany Yellowtail. Hun snakker med meg på Zoom fra hjemmet sitt i Los Angeles hvor hun har jobbet det siste året. Bethany er medlem av Northern Cheyenne Nation og ble oppvokst i Crow Indian Reservation i Montana. Som mange innfødte designere inspirerte oppveksten rundt de vakre regaliene i stammen hennes reisen til motedesign.

I mars 2020, da koronaviruset rammet USA, ble hun tvunget til ikke bare å stenge kontoret i LA som hun hadde jobbet i årevis for å åpne, men å bytte forretningsstrategi helt. Siden mange fabrikker i byen dreide seg om å lage personlig verneutstyr, bestemte hun seg for å samarbeide med dem for å sørge for innfødte mennesker over hele landet som var blant de hardest rammede av koronaviruset. I løpet av året laget hun over 100 000 masker prydet med stammens symbol, morgenstjernen. Det var en kilde til stolthet i en ødeleggende tid for henne og samfunnet hennes.

I følge Vergen Anslagsvis én av hver 475 indianere døde av Covid-19 mellom mars 2020 og januar 2021, noe som er mer enn det dobbelte av hvite amerikanere. Mens mange urbefolkninger kom sammen for å hjelpe hverandre med ressurser og hjelp, var de ødeleggende effektene betydelige: Familier ble stående uten sine nærmeste, inkludert mange av deres eldste og lærere som hjelper til med å videreføre kulturen deres gjennom generasjoner.

Innenfor denne utenkelige tragedien kom imidlertid et lite tegn på fremgang. Black Lives Matter -bevegelsen sommeren 2020 bidro til å bringe søkelyset til ulikheten urfolk også har møtt i århundrer. At ulikhet-fra begrenset tilgang til helsevesen til fattigdom skapt av føderal feilbehandling av urfolk-skapte et miljø der Covid-19 uforholdsmessig påvirket samfunnene deres.

Da talsmenn for bevegelsen for rasemessig likestilling begynte å lære om rikdommen i innfødte kulturer, kanaliserte de støtten gjennom investeringer i urfolksselskaper, inkludert mote-merker som eies av urfolk. For designere som Bethany har denne tilstrømningen av oppmerksomhet vært en måte å gjenvinne deler av kulturen hennes som så ofte har blitt tilegnet-tenk `` Native-inspirerte '' trykk på T-skjorter-og fortell historien om hennes folk og hvem de er i dag gjennom kunsten hennes.

Samtidig er det et middel for å beskytte kulturen i fare for å gå tapt med de overveldende dødsfallene i de innfødte samfunnene ved å fortsette å lage klær som hyller tradisjonen og bruker teknikker som er gått ned gjennom eldste.

I forkant snakket vi med tre designere om hvordan det siste året har vært for dem, og hvordan de bruker mote for å bevare, feire og dele kulturen sin - på sine egne premisser - med sine lokalsamfunn og med resten av verden.

Bethany Yellowtail

Urfolks motekreditt: Erica Elan

Når bestemte du deg for at du ville bli designer?

Jeg vokste opp på Crow Indian Reservation, som ligger i sørøstlige Montana. Jeg kommer fra et veldig rikt, levende samfunn som er fullt av teksturer og vakre farger. Det var normalt å se slektninger lage ting på kjøkkenbordene. Et av mine tidligste minner om å lage mine egne regalier er da min tante tok med materiale til huset vårt, og hun satt sammen med meg og søsteren min på gulvet og vi lærte å frynse sjal. Da jeg begynte på ungdomsskolen, videregående, så læreren min hjemme-ec at jeg kunne sy veldig bra, hun fortalte meg at jeg kunne ha en karriere innen mote.

Vi ser ikke innfødte mennesker på mote, og for første gang innså jeg at samfunnet mitt kunne være representert. Jeg flyttet til Los Angeles og gikk til FIDM hvor jeg lærte nøttene og boltene ved å lage plagg. Men det var også der jeg så samlinger som tok estetikk av innfødt identitet og kultur. På den tiden hadde jeg ikke språket til å snakke for meg selv da jeg så denne typen bevilgning. Men da jeg dro hjem, så jeg den drastiske ulikheten på reservasjonen min, og noe passet bare ikke. Så ved hjelp av min far - som solgte utstyret til storfeet for å hjelpe meg med å få lån - startet jeg virksomheten min, b. Yellowtail, og solgte designene mine så vel som [design] av andre innfødte.

Hvordan påvirket Covid-19 deg og samfunnet ditt?

Det traff vår stamme veldig, veldig hardt og ødela samfunnet vårt. Crow og Northern Cheyenne, vi mistet mange mennesker. Bestemoren min lå på sykehuset i åtte uker, og hun er fortsatt i bedring.

Men jeg er en type person hvor jeg ikke bare kan sitte og se det skje. Heldigvis har vi et fantastisk forhold til en produsent her i Los Angeles, og når ting stengte, konverterte han til å lage PPE. Vi gjorde akkurat våre moteevner til å lage masker, og heldigvis klarte vi å få stoff donert fra Patagonia og Nike. Jeg tror bare for Navajo -nasjonen [ga vi bort] 60 000 klutmasker. I mitt stammesamfunn har vi støttet omtrent 50 000.

Jeg hadde også tenkt å få ut en samling i vår. Da Covid rammet, stoppet vi alt. Heldigvis var vi i stand til å skifte, og så i fjor høst, i november, kom samlingen ut, og den var best mottatt av alle samlingene mine. Og det var også en samling vi opprettet i samarbeid med samfunnet vårt. Vi har en utstilling på Field Museum i Chicago kalt Apsáalooke Women and Warriors. Og den forteller en historie om våre mennesker fra vår skapelseshistorie til der vi er nå.

Hva har du på deg i fotograferingen?

Den grønne kjolen har vår signaturtekstil. Det ser ut som prikker, men det er faktisk et motiv av en elgtann. Elgens tenner er virkelig kulturelt viktige for stammer i Northern Plains stammeområde, spesielt Crow og Cheyenne og Lakota. Elgtenner var tradisjonelt et tegn på rikdom, og i gamle dager, før reservasjonstiden, ble elgtenner sydd på brudekjoler. Den mannlige brudgommen ville lage det, familien hans ville lage det til bruden, og det ville være som en medgift, men som en gave til kona. En elgtann betyr at de er leverandører og gode jegere og kan forsørge familien fordi hver elg bare har to elfenbenstenner på den. For å ha en komplett kjole trenger du 500 elgtenner for å være skikkelig. Så det å ha flest elgtenner i elfenbenet er akkurat som om du er rik, du er velstående og du kan gi. Familien min, vi har en fra min oldemor fra slutten av 1800, og den er full av ekte elgtenner, den er så vakker.

Ørepyntene er fra en av våre kollektive artister, Alaynee Goodwill. Hun er Dakota Sioux og Lakota. Og de hvite skjellene som er på er dentalium. Dentalium -skall er et faktisk skall, men det ble brukt som en form for handel for handel i Nordvest, og så beveget det seg over sletten. Så du vil se det dukke opp på gamle bilder, og vi bruker det åpenbart fortsatt. Nå er det forvandlet til mer moderne øredobber.

Da er blomstermotivet på min lilla kjole faktisk det samme motivet som på mine mokasiner. Mokasinene mine ble designet for meg av en Apsáalooke (Crow) artist, Nina Sanders. Hun forsket på Smithsonian National Museum of American Indian og så at blomsterdesign med litt jordbær på ville dukke opp i museets samlinger, gamle bilder og regalier knyttet til Yellowtail -kvinner. Og hun sa at hun begynte å drømme om jordbær, og hun sa: 'Jeg visste bare at jeg trengte å designe dette for mokasiner.'

Se mer fra Bethany Yellowtail her.

Jamie Reading

Urfolks motekreditt: Cameron Linton

Når bestemte du deg for at du ville bli kunstner og designer?

Det har bare vært noe jeg har vokst opp i hele mitt liv. Moren min var grafisk designer. Hun jobbet for MCA Records og laget albumomslag for noen virkelig fantastiske band fra 70 -tallet. Min bestemor var en maler, så kunst var bare en del av livet siden fødselen. Men det var virkelig da jeg begynte å danse på pow wows [at jeg ble interessert i å være designer]. Den første jeg deltok på var på bestemorens reservasjon, Fort Hall Indian Reservation i Idaho.

Første gang jeg danset var jeg i gateklær, men jeg hadde sett alles vakre antrekk og visste at det var det jeg ville gjøre. Det krever mye arbeid - perlearbeid, sying; alt er laget av deg selv og din familie. Så det er i utgangspunktet der det begynte, så jeg kunne komme meg ut i pow wow -sirkelen og danse. Jeg har stort sett hatt en nål og tråd i hånden siden.

Hvordan tror du designene dine representerer stammen din, om i det hele tatt?

Jeg snakker ikke for min stamme. Hvem er jeg som skal ha det ansvaret? Det er en hel stamme mennesker. Jeg designer ikke noe superspesifikt, fordi det tilhører mange mennesker. Jeg kan bare ikke ta eierskap til disse tradisjonene. Det er alltid et nikk til dette spesifikke designelementet i min stamme, og det er slik jeg velger å hedre mitt folk i mitt motearbeid.

Kan du snakke om brikkene i fotograferingen?

Jeg har på meg en kjole som er basert på en tradisjonell silhuett, de kalles vingekjoler. Det er en veldig enkel kutt, men veldig spesifikk stamme til stamme. Jeg bare elsker farge, jeg elsker forskjellige teksturer, forskjellige stoffer, og det var slik jeg skapte den kjolen, akkurat som et nikk til en tradisjonell kjole. Mokasinene jeg lagde i begynnelsen av tjueårene og er alle fullt perle. Jeg har antikke mansjetter, og jeg holder en skallet ørnhale fan. Fetteren min [bildet til høyre] har på seg et couture-stykke basert på høstklær-kolleksjonen [for mitt merkenavn].

Hva er det du vil at folk skal vite om å ha en karriere innen mote som en innfødt person?

Det er denne fortellingen, spesielt som en innfødt person, som du må forlate [reservasjonen] for å nå dine mål. Jeg synes den mest fantastiske prestasjonen for meg selv er at jeg kan gjøre alt det jeg gjør her hjemme, på min reservasjon. Barna mine ser det. Jeg er her for å si ja, herregud, ja det kan du. Du kan gjøre hva du vil. Så lenge hjertet ditt er der, og tankene dine er der, og jeg bare føler at jeg ikke kunne be om noe bedre for meg å kunne oppdra barna mine her, og få dem til å se at de ikke trenger å forlate her for å lykkes.

Se mer fra Jamie Okuma her.

Maka ramme

Urfolks motekreditt: MadMen Studios

Kan du fortelle meg om bakgrunnen din og hvorfor du begynte å designe?

Jeg er A Tlingit, Filipina og Kanien & apos; kehá: ka kvinne født i Raven -gruppen, Copper River Clan, House of the Owl. Mitt Tlingit -navn er Keixé Yaxtí, som betyr Morning Star. Jeg var så heldig å ha en mor og besteforeldre som var tradisjonelle kunnskapsbærere. Jeg tilbrakte en del av barndommen med dem på museer & apos; dype arkiver der de ville identifisere gjenstander. I disse dype arkivene undret jeg meg over håndverket til nordvestkystartister. Perleverket, vevingen og symmetrien hos Formline -artister & apos; var utrolig.

Kunstnerne våre var så nyskapende - de fant alltid måter å forme og jobbe med nye former og tekstiler, inkludert tre, fjellgeiteull, dyrehud, sølv, gull, skall og bein. Som noen som har slitt med psykisk helse i hele mitt liv, begynte jeg å praktisere kunst og design som en måte å prøve å oversette de elastiske komponentene i vår kultur: kjærlighet, medfølelse, klanforhold, matrilineal kraft. Det er ydmykende å lage en håndgripelig oversettelse av begreper som noen ganger er immaterielle.

Hvordan har Covid påvirket deg personlig? Hvordan har det påvirket stammen din?

Covid påvirket familien min i 2020. Under mandatene på ly kunne mannen min ikke arbeide i tannlegen i flere måneder. Jeg jobbet fremdeles på Masters of Public Health mens jeg også jobbet deltid for en ideell organisasjon. Økonomien vår var det galvaniserende behovet bak dykking i smykkedesign. Min landsby og min stamme implementerte beskyttelsesordre fordi de positive tilfellene av Covid var av folk som reiste til Yakutat utenfra. Vi dro ikke hjem i 2020 for å beskytte våre nærmeste, og jeg savnet familien min og landet desperat.

Hvordan presser designene dine kulturen fremover?

Verden vår trenger medfølelse og forståelse, og empatisk kommunikasjon gjennom kulturell kunst kan hjelpe med det. Kunst og design er håndgripelige uttrykk for følelser og kultur, og de kan oversette viktige sosiale og globale temaer som klimaendringer, savnede og drepte urfolk og jenter, to-åndelige mennesker [et daglig uttrykk for LHBTQ-identifiserende mennesker]. På noen måter har pandemien forsterket et mangelkompleks - mange mennesker skader på så mange måter. Jeg har vært vitne til og opplevd fargesamfunn reagere med lateral vold. I rådgivning med en pålitelig eldste og kunstner, Robert Davidson, tror jeg at noe av denne volden kommer fra et sted med dype generasjoner mellom gener. Jeg har opplevd at jeg har gjennomgått en sorgprosess i år for å slippe dyp indre smerte, slik at jeg prøver å kalle kulturen vår videre og skape fra et forsettlig sted for transformativt slektskap. Hvis vi kan trekke fra våre forfedre & apos; styrke og spenst og krysser med transformativt slektskap, kan vi være urfolks futurisme.

Har du noen gang ikke-innfødte kunder bekymret for bevilgning når du skal kjøpe arbeidet ditt?

Det er ikke uvanlig å ha ikke-innfødte kunder bekymret for bevilgning når de kjøper innfødt kunst. Generelt, hvis en urbefolkning skaper med kulturell kunnskap, vil de ikke selge seremonielle gjenstander til ikke-urfolk. Vi anbefaler å kjøpe direkte fra urfolk og kunstnere. Våre venner i åttende generasjon har laget et uttrykk vi ofte bruker: 'Kjøp fra Inspired Natives-ikke fra innfødte inspirerte merker.'

Kan du forklare hva du har på deg på bildene dine? Hva om disse bitene har noen betydning?

Disse bildene viser prototyper jeg har designet i løpet av min reflekterende reise. De turkise månene var et samarbeidsprosjekt av mitt design, og med hjelp av en mentor laget deres venn Mary Jane Garcia øredobben. Mary Jane er Diné, Tl & apos; i (Zia People), og Kinyaa & apos; áanii (Towering House People) Clan. Det var et prosjekt basert på helbredelse og slektskap. Bildet med trommelen formidler mitt forhold til min avdøde bestefar. Jeg arvet trommelen hans, og øredobber jeg designet [for mitt merke, Moonture] forteller historien om nordlyset. Min bestefar lærte oss at nordlyset er ånder til mennesker som har tatt sitt eget liv. Innenfor nordlyset & apos; farger, ser du åndelig bevegelse, og den grønne fargen er mosen som har vokst på dem. Å lage dette designet var en måte å uttrykke min psykiske helse reise i år og huske det vi trenger deg her.

Hva håper du på det neste året med både arbeidet ditt og personlig?

Overlevelsen til urfolks kunst har vært som en Phoenix, og jeg tror at fremtiden for urfolks mote vil fortsette å øke hvis våre kollektive brennende hjerter forblir sanne. Det er utrolig å tenke på alt urfolk har gjennomgått de siste århundrene: folkemord, slaveri, voldtekt, segregering, rasisme, diskriminering - men vi har ikke bare overlevd - men mye av kunsten vår blomstrer. Jeg håper å skape fra det blomstrende stedet og drømme om å designe en kleslinje i krysset mellom Tlingit -kultur og bærekraftig materiale. Jeg lærer meg sakte design og håndverk av arvestykker og fine smykker ved å bruke materialer som Alaska Jade og Walrus Ivory begavet meg av familien Apangalook, og mannen min og jeg lærer under veiledning av Anna Sheffield. Disse målene kommer tilbake til mitt håp om å bidra til kulturell medfølelse og forståelse, og empatisk kommunikasjon gjennom transformativ kunst.

Se mer fra Moonture her.

Fotografier av Cameron Linton, Erica Elan og MadMen Studios. Produksjon av Kelly Chiello.